Aber ist das Kunst?

Anonim

Wie oft gehen Sie in ein Museum für zeitgenössische Kunst und verstehen die Bedeutung einiger Werke nicht, während es für uns einfacher ist, die Schönheit von Gemälden und Skulpturen aus fernen Epochen zu erkennen. Die meisten zeitgenössischen Werke werden jedoch mit der Absicht geboren, uns stärker einzubeziehen. Und um Kunst dem Alltag näher zu bringen, durch Darstellungen gewöhnlicher Menschen, Alltagsgegenstände, manchmal unter Verwendung schlechter Materialien und Ausstellungen an öffentlichen Orten.

In dieser Galerie präsentieren wir einige der neugierigsten oder neuesten Arbeiten. Ohne unbedingt die Geschichte der Gegenwartskunst schreiben zu wollen.

Auf dem Bild gehen iranische Frauen in den "Persischen Garten", der im Teheraner Museum ausgestellt ist.

Viele der Werke, denen wir heute begegnen, manchmal ohne ihre Bedeutung zu verstehen, entstammen einem künstlerischen Trend, der in den USA zwischen den sechziger und siebziger Jahren geboren wurde: der Umweltskulptur (Umweltskulptur). Für die Künstler dieser Strömung war es an der Zeit, die Distanz zwischen Betrachter und Werk zu verkürzen. Und der Initiator war George Segal, der begann, gewöhnliche Menschen mit lebensgroßen Statuen zu porträtieren und Gipsabgüsse von Verwandten und Freunden anzufertigen.

Auf dem Foto eine Reihe von Arbeitslosen während der Weltwirtschaftskrise "The Depression Breadline" am FD Roosevelt Memorial.

Wenn Sie in einem Museum herumlaufen und über einen "Mann" stolpern, der mit einem Eimer auf dem Kopf sitzt, wundern Sie sich nicht, wenn Sie sich beinahe entschuldigen würden. Dies ist vor allem dann der Fall, wenn Künstler wie der junge Belgier Noé Sendas, Autor dieser Arbeit, die visuelle Realität auf eine Art und Weise originalgetreu wiedergeben, die man fast als "fotografisch" bezeichnen könnte.

Aber warum die Realität so originalgetreu wiedergeben?

Vielleicht um an die Nachwelt weiterzugeben, wie es in unserer Zeit der Fall war, oder um den Blick des Zuschauers zu täuschen, um ihn nicht zu zwingen, das Falsche vom Wahren zu unterscheiden?

Nichts davon … wie Sie anhand der Beschriftung des nächsten Fotos feststellen werden.

Wenn uns einige realistische Arbeiten manchmal zum Lächeln bringen, scheinen andere aus Angst gemacht zu sein. Dies ist der Fall von "dem Motorradunfall" von Duane Hanson, einem Meister des Hyperrealismus, der sich selbst an die Grenzen des Makabren treibt. Aber nicht weniger beunruhigend, obwohl weniger gewalttätig in der visuellen Wirkung, sind seine anderen Arbeiten, die Hausfrauen, Arbeiter und Verwalter in verschiedenen Aktivitäten oder fettleibige Menschen, die essen, darstellen. Diese stummen Gestalten, die absichtlich vielen Geistern ähnlich sind, stellen die Zerbrechlichkeit der Gegenwart dar und sollten uns dazu bringen, über unser tägliches Leben nachzudenken. Die Arbeit "Motorcycle Accident" von 1967 wurde aufgrund ihres starken Realismus von einer Ausstellung in Miami ausgeschlossen.

Als der englische Künstler Anthony Heywood eines Tages eine Fernsehsendung über die Bedrohung durch Wilderer durch das Aussterben von Elefanten ansah, kam er auf die Idee, einen Elefanten zu bauen, der aus vielen Fernsehgeräten besteht. Er benutzte auch Computer, Radios, Ventilatoren, Schuhe, eine Toilette und viele andere Haushaltsabfälle.

Das große Tier, das verschiedene weibliche Accessoires an den Gummiohren trägt, ist eine Frau, die ihren Begleiter verloren hat und für ihre Reißzähne getötet wurde.

Auf dem Foto "verwirft" der Künstler seine Arbeiten für eine Ausstellung an der Küste von Sidney.

Niemand vor den 60er Jahren hatte jemals daran gedacht, Konservendosen, Coca-Cola-Dosen, Wasserklosetts, Möbelstücke und verschiedene Einrichtungsgegenstände mit einem künstlerischen Kleidungsstück auszustatten. Die Vertreter einer neuen Strömung, der Pop-Art (Pop-Art), dachten daran, Alltagsgegenstände ironisch darzustellen.

Hier befinden wir uns vor einem ausgesprochen überdimensionalen Möbelstück, das von Robert Therrien entworfen wurde, aber nicht ironisch: Der amerikanische Künstler wollte dem Tisch und den Stühlen ein Denkmal setzen, das im Laufe der Zeit für die zukünftige Erinnerung an gierige Gäste.

Um sich an die Geschichte und ihre Schrecken zu erinnern, wollte Marco Boggio Sella einen riesigen rostigen Nazi-Helm bauen, was bedeutet, dass das Gewicht (dargestellt durch das physische Gewicht des großen Helms) der Erinnerung an die tragischen Ereignisse selbst im Laufe der Zeit erhalten bleibt. Den Bewohnern des jüdischen Viertels La Marat in Paris, in dem sich die Arbeit ursprünglich befunden hatte, gefiel es jedoch nicht. Nach zahlreichen Kontroversen und Auseinandersetzungen wurde der Helm der Zwietracht entfernt. Die Arbeit des jungen bulgarischen Künstlers wurde (auf dem Foto) in ein Lagerhaus am Stadtrand transportiert.

Wie viele Scheiben Brot brauchen Sie, um ein Kunstwerk zu machen? Antony Gormley brauchte 8.000. Die beiden Formen, die auf der Brotfläche „ausgegraben“ wurden, sind der Körper (Vorder- und Rückseite) des Künstlers, der eine Menge Brot aß, die dem Volumen seines Körpers entsprach. Es gibt jedoch Künstler, die spezifischere Materialien verwenden. Sie sind die Biokünstler wie Marion Laval-Jeantet und Benoît Mangin, die kürzlich eine Arbeit vorgestellt haben, die mit den Stoffen ihrer Haut und einigen Tieren hergestellt wurde. Auf halbem Weg zwischen Experiment und Kunst ist der natürliche Ort der Arbeit kein Museum, sondern ein Arm oder wo immer jemand ihn implantieren lassen wollte.

Jason Kronenwalds "Gum Blondes" sind Porträts von einem Dutzend berühmter Blondinen, von Anna Kournikova über Britney Spears (im Bild) bis Mariah Carey. Die Werke sind eine echte Hommage an die Populärkultur und nicht so sehr für die Subjekte als für die Verwendung eines der beliebtesten Produkte aller Zeiten, des Kaugummis. Dieses schlechte Material, das erst nach dem Kauen verwendet wird, kann in vielen verschiedenen Farben gefunden werden, sogar mit sehr hellen Tönen, was es dem Künstler ermöglicht, Gemälde ohne die Verwendung von Pinseln und Farben zu schaffen.

Für eine Arbeit brauchen sie 500 gut gekaute Kaugummis, also musste Kronenwald eine echte Armee von Kauern rekrutieren.

Hier ist, was es bedeutet, alles in ein Kunstwerk zu stecken … Der Künstler Zhu Ming ist in einer Plastikblase mitten im Meer eingesperrt und bleibt dort einige Zeit nackt, während Menschen in der Bucht von laufen Sidney schaut neugierig zu.

Der Ballon hat einen Durchmesser von vier Metern und wird mit 33 Kubikmetern Druckluft befüllt, was eine Leistung von fast einer Stunde ermöglicht. Ming, ein erfahrener Schwimmer, trägt ein Messer, um den Ball im Notfall zu durchbohren.

Die Aufführung fand im Rahmen einer Ausstellung statt, die sich dem Thema Wasser widmete und vom Sidney Museum of Contemporary Art organisiert wurde.

Für die alte Künstlerin Louise Bourgeois, die inzwischen neunzig Jahre alt ist, erinnert sich diese große Sechs-Meter-Spinne an ihre Mutter. Für andere ist es ein großes Stahlinsekt, unter dem bei Bedarf ein Snack zubereitet werden kann. Vielleicht hätte Michelangelo nicht gewollt, dass jemand Krümel unter seinem David machte oder ihn beobachtete, während er ein Schinkensandwich genoss. Für die Kunst ist Konzentration notwendig, aber vielleicht nicht für alles.

Der französische Bourgeois, einer der bekanntesten lebenden Künstler, schuf dieses Werk 1996 im Alter von 89 Jahren. Es befindet sich am Rockefeller Center Plaza in New York.

Bruce Naumans Meisterwerke müssen physisch betreten werden, um sie zu "betrachten". Tatsächlich sind seine Arbeiten nichts anderes als ein echtes Erlebnis für den Betrachter: Räume mit neonfarbenen Lichtern, Videos, Videoinstallationen mit geschlossenem Kreislauf und mehreren monumentalen Projektionen, begleitet von Worten, Klängen und Musik.

Auf dem Foto ein Stück von Nauman, das Teil der umstrittenen Flick-Sammlung ist: 2.500 Werke, die der Neffe eines bekannten Nazi-Industriellen, der Waffen für das Dritte Reich produzierte, an den Berliner Bahnhof ausgeliehen hat.

Es gibt Leute, die bereit sind zu schwören, dass man nach einiger Zeit des Stillstands vor diesem schlafenden Riesen sagen könnte, dass man ihn schnarchen hört. Die Skulptur "Mask II" ist ein Selbstporträt des australischen Künstlers Ron Mueck, des Meisters der Wahrscheinlichkeiten. Der Sohn von Spielzeugherstellern begann seine Karriere als Künstler, indem er lebensgroße Modelle für Werbung und Filme baute. Und er hat es von Beruf in diese Arbeit gesteckt, man denke nur, dass jedes Haar und jedes Haar an seinen Augenbrauen individuell geformt und dann in den dafür vorgesehenen Raum gelegt wurde.

Es ist sechs Uhr nachmittags im Mai, und drei Figuren, die an einem Baum auf einem Mailänder Platz hängen, ziehen Experten, Studenten und Autofahrer an.

Es ist nur die neueste von Maurizio Cattelans vielen Provokationen, der bestbezahlte italienische Künstler der Welt. Die Arbeit, die drei Kinder darstellt, die an einem Baum gehängt wurden, blieb einen Monat in der Stadt und löste heftige Kontroversen aus: Viele nannten sie zynisch, destruktiv und frech. Für den Autor will das Werk nur die Spannung aufzeigen, die in der Realität besteht …

Ein Putzfrau in der Tate Gallery in London, die diese Tüte Abfall unter seinem Schreibtisch liegen sah, dachte, er sei irrtümlich zurückgelassen worden, und warf sie weg. Er wusste nicht, dass er ein wesentlicher (oder nicht sehr wichtiger) Bestandteil eines Werkes von Gustav Metzger war. Der 78-jährige Exponent der sogenannten "selbstzerstörerischen Kunst" musste daher den alten Mann gegen eine faire Gebühr durch einen neuen Müllsack ersetzen.

Vom Müll in der Kunst bis zur Junk-Kunst: In New York gibt es seit etwa zehn Jahren Moba, ein Museum für hässliche und erfolglose Kunst: Etwa hundert Werke, die jeweils maximal 6 US-Dollar kosten.

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